AMR - One Way or Another (One Direction)

Análise: Single do grupo One Direction. Lançado em Fevereiro de 2013, alcançou #13US e #1UK.

Papai Noel vai ter bastante ajuda este ano...

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E uma das piores coisas já saídas de um programa de TV direcionado ao mundo musical continua gravando impunemente! O subterfúgio para arranhar dinheiro de pobres pais que têm filhas que são loucas por rostinhos e sensibilidade musical de uma ameba funciona que é uma maravilha.  Pais de primeira viagem: ensinem suas crianças o que é boa música desde cedo ou correram o risco de ter que ouvir porcarias do tipo por um longo tempo...

Saindo da obviedade, o One Direction é o novo Five, Westlife e outras drogas do tipo. Cada geração tem o *Nsync/Backstreet Boys que merece. A originalidade de suas canções raramente é demonstrada (com cópias descaradas de riffs clássicos da música como "You're The One That I Love", famosa pela interpretação de John Travolta e Olivia Newton-John, em "What Makes You Beautiful" e "Should I Stay or Should I Go" do The Clash em "Live While We're Young"). E este imenso vazio, este vácuo musical é preenchido e levado a diante tristemente pelo fato deles serem meros bibelôs musicais. Ah, desculpe. Acho que eu tinha dito que sairia da obviedade. Mas isso, no caso deles, é impossível!

Muita, muita ingenuidade imaginar que algo criativo poderia vir do quinteto: em vez de roubar algum riff famoso para basear um novo e insuportável single chiclete, eles resolveram fazer uma cover. Ou seja, precisaram de menos esforço que antes para realizar algo! E pior de tudo é que definitivamente não houve qualquer momento em que você poderia dizer: bem, foi uma regravação que valeu a pena. Eles mexeram no que estava bom e que não tinha necessidade de modificação para fazer algo horrível, um verdadeiro desserviço aos fãs da música e do Blondie de Debbie Harry.

Banal é pouco para descrever. Mas provavelmente as meninas que ficam gritando o nome deles incondicionalmente devem estar estasiadas com a "nova canção" do grupo - sem sonhar que ela já existia antes. Muitas coisas idiotas já aconteceram na música durantes todos estes anos, mas isto está chegando no nível da tristeza. Principalmente em pensar que o Blondie autorizou isso.

E eu ainda reclamava das boys bands dos anos 90...

AMR - 90's Jukebox 15

Artista: Chumbawamba (1982 – 2012)
Origem: Inglaterra
Hits: "Tubthumping", "Amnesia", "Top of the World (Olé, Olé, Olé)"Hit da Jukebox: "Tubthumping" (#6US - #2UK, 1997)

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Já falei aqui de nomes esquisitos. Cantoras como Janelle Monáe, Estelle Fanta, Nicki Minaj. Fora outras coisas bizarras vindas do Capas Exóticas. Mas este aqui por si só já é bem exótico. Formada em 1982, o Chumbawamba (sim, é esse o nome), banda inglesa, tocava de tudo. Desde o famigerado Folk até o Punk, tudo bem misturado e condensado (acredito que sendo minimamente comercial). Além da música, a banda assumia também uma postura política engajada, lutando por vários direitos, como o dos animais, gays, oposição ao fascismo, etc.

A banda atravessou os anos 80 e 90 com várias formações e a que mais marcou foi a que participou da confecção do single "Tubthumping". Também conhecido como "Tubthumping (I Get Knocked Down, But I Get Up Again)", ou ainda "Tubthumping (I Get Knocked Down, But I Get Up Again - You're Never Going to Keep me Down)". É uma canção forte e bacana (forte mesmo, afinal... I Get Knocked Down). Mas teve suas oposições: a canção foi parar numa lista feita pela revista Rolling Stone na posição #12 de Canções Mais Aborrecedoras. Teve gente que a colocou na lista de 100 Piores (gente não conhece Michel Teló, claro). A canção contém até mesmo samples da clássica e antiga canção "Danny Boy", de Frederic Weatherly, do ano de 1910!

Pelo teor a la "We Are The Champions" que a canção carrega ("Fui nocauteado, mas me levantei de novo/Você nunca vai me derrubar"), a banda chegou a receber uma proposta da Nike para utilizar a canção em uma campanha para a Copa do Mundo, no valor de U$1,5 milhão! Porém a banda recusou prontamente. Estranhamente, eles licenciaram a canção para outros projetos, dentre eles um jogo de video-game... de futebol, sobre a Copa do Mundo.

Foi o ponto mais alto da banda. Até mesmo nosso companheiro "Weird" Al Yankovic utilizou a esta canção em um de seus Polka Medleys. Se bem que sozinha ela já é legal.

A banda terminou em 2012, após 30 anos de carreira!

AMR - 90's Jukebox 14

Artista: Coolio (01/08/1963)
Origem: Estados Unidos da América
Hit da Jukebox: "Gangsta's Paradise" (#1US - #1UK, 1995)

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Bem, eu execro o Rap. Acho um estilo pedante, limitado e que pode funcionar bem quando reduzido às corriqueiras participações especiais. Três ou quatro minutos da ladainha recitada dá nos nervos -salvo raríssimas exceções, como "Rapper's Delight" (com samples de "Good Times" do Chic) e "Apache" (se bem que esta não se sustenta tanto assim) do Sugarhill Gang . Resumindo, o Rap é como um trompete: tem momento certo pra ser usado, e saindo disso, fica insuportável.

Coolio (Artis Leon Ivey Jr) teve seu primeiro álbum lançado em 1994, mas foi em 1995, com o álbum Gangsta's Paradise, que ele obteve reconhecimento. O single de mesmo nome foi o grande projeto de sua carreira (até hoje), sendo primeiro lugar nas paradas em vários países do mundo. Fez parte da trilha do filme Mentes Perigosas, com Michelle Pfeiffer (inclusive com participação da mesma no vídeo-clipe). Aliás, o vídeo foi vencedor do MTV Video Music Awards de 1996 por Melhor Vídeo-Clipe de Rap - Coolio disse que o grupo Bone Thugs-n-Harmony que merecia o prêmio, mostrando uma humildade não característica dos rappers que acabam sendo representados por egos inflados como Kanye West...

Mas devo dizer que a estatueta do Grammy de Melhor Performance de Rap Solo que Coolio ganhou tem que ser, em partes, dividida em mérito. Tudo porque a base da canção foi emprestada de "Pastime Paradise" de Stevie Wonder, do álbum Songs in the Key of Life de 1976. Coolio projetou o clima da canção para uma atmosfera desolada, tratando da vida de um membro de gang afro-americano insatisfeito com sua condição criminosa (eles se intitulam "gangsta", numa possível e chula referência aos gangsters). Já a canção de Stevie Wonder nos remete à paz e tranquilidade. Wonder chegou a cantar com Coolio e L.V. (outro envolvido na canção) durante o Billboard Awards de 1995.

Outro momento marcante envolvendo a canção foi a paródia feita pelo divertido Weird Al Yankovic, cantor e parodista conhecido por fazer versões bem humoradas de várias canções. A chamada "Amish Paradise", de 1996, brinca com o povo Amish (grupo religioso cristão famoso por uso restrito de equipamentos eletrônicos, vivendo de uma maneira que lembra bastante séculos atrás). E não é que a paródia ficou tecnicamente melhor que o parodiado?

Coolio ficou bravo e reclamou dizendo que Yankovic não lhe pediu permissão para fazer a paródia (embora isso não seja legalmente necessário e que Yankovic tenha pedido, sim, autorização para lançar o single para a gravadora). Yankovic acabou pedindo desculpa que foram aceitas de má vontade. Mas pelo visto os problemas não mais existem, pois os dois participaram de um evento juntos na época do ocorrido (e até mesmo anos depois, quando já não havia mais nenhum interesse comercial no encontro). Após este ocorrido, Weird Al passou a pedir autorizações diretamente para o artista, afim de evitar conflitos do tipo.

Weird até mesmo zoou o cabelo do Coolio!

Em 2006, após dez anos...

No final das contas temos uma conta balanceada. Uma canção muito bela de um artista lendário, uma versão desta em Rap que não é ruim para um Rap, e uma divertida e bacana versão parodiada por um grande nome do gênero. Coolio nunca mais alcançou a marca que chegou com "Gangsta Paradise" e Weird Al Yankovic seguiu fazendo suas divertidas versões e medleys polka. Mas também, com tantos rappers por aí, quem vai dar por falta?

Stevie Wonder - Pastime Paradise

"Weird" Al Yankovic - Amish Paradise

AMR - 90's Jukebox 13

Artista: Natalie Imbruglia
Origem: Austrália
Hit da Jukebox: "Torn" (1997)

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Provavelmente você deve conhecer esta canção. Algum dia você deve ter ouvido este refrão e cantarolado juntos. Canção esta imortalizada por Natalie Imbruglia, na verdade não foi grava em primeira mão por ela. Ou seja: trata-se de uma cover. Muito bem sucedida por sinal. Um pouco da história dela:

A banda que interpreta originalmente a canção se chamava Ednaswap, e era mais centra no Rock Alternativo e relacionados. Criada em 1993 por Scott Cutler, Anne Preven, Rusty Anderson, Paul Bushnell e Carla Azar. A vocalista Anne Preven juntou-se à banda posteriormente (Preven diz que quis se juntar ao grupo depois de sonhar que era componente de um banda de mesmo nome - um tanto improvável e engraçado). A banda se desfez em 1999, após o lançamento de três álbuns.

A canção "Torn" (escrita em 1993, antes da formação da banda) foi lançada no álbum de estreia, Ednaswap, de 1995 e no segundo álbum, Wacko Magneto. A primeira versão, de 1995, contém 4:23 de duração, enquanto a versão de 1997 tem 3:58 - a diferença entre as duas está em alguns efeitos vocais e guitarras. Após a canção ter sido lançada em single no ano (segundo single da carreira, após "Glow", do mesmo ano), a banda quis relançar a canção como single do segundo álbum. Porém, no mesmo ano, Natalie Imbruglia gravou sua versão (uma artista entre vários que também interpretaram a canção), que foi um imenso sucesso (inclusive sendo seu single de estreia). Tendo a canção estourado com Imbruglia, o Ednaswap acabou decidindo deixar "Torn" sem um lançamento, pois seria totalmente ofuscado e comparado. Não muito depois (1999), a banda se desfez, pois o último álbum, Wonderland Park, não conseguiu chamar a atenção.

Foi este single que catapultou Natalie para a fama. Este também é seu maior sucesso e, mundialmente falando, o único. Outros trabalhos foram moderadamente bem nas paradas, mas nenhum a nível mundial. Natalie também se dedicou ao cinema e antes da música já trabalhava na televisão. Porém, nunca consegui se dissociar da popularidade entrelaçada com o single "Torn".

Em comparação, a versão da Natalie é muito melhor e mais viável comercialmente, pois a versão original da Ednaswap é realmente o que se pode chamar de Rock Alternativo, mas bota alternativo nisso. A propósito, a segunda versão é a melhor, sendo mais "limpa", um pouco mais agitada. A versão cover dispensa comentários: foi um grande hit e uma canção realmente muito boa. Tanto na produção do Phil Thornalley (que curiosamente produziu as duas versões, original e cover) quanto os vocais da Natalie. Um clássico dos anos 90.

Ednaswap (versão 1997):

AMR - 90's Jukebox 12

Artista: Alessandro Safina
Origem: Itália
Hit da Jukebox: "Luna" (1999)

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Um tenor. Geralmente este não é lá um tipo de cantor, um tipo de música lá muito abrangente para as grandes massas. Afinal, esta música que exige paciência e um gosto específico não é lá muito fácil de ouvir. Claro que se falamos de tenor, logo associamos ao estilo operístico. Mas se você conhece caras como Andrea Bocelli e Alessandro Safina, sabe que este tipo de voz não é sempre usado desta maneira.

Nascido em Siena, Alessandro Safina sempre gostou de ópera e foi incentivado por sua mãe desde cedo. Safina foi um dos cantores direcionados da ópera que acabou mesclando estilos, como o Pop e o Rock (não propriamente Rock, mas enfim...). Fã de bandas como Genesis e Simple Minds, com certeza foi uma influência que o fez partir para este caminho.

E em "Luna", de 1999 (que ficou mais famosa aqui por fazer parte, infelizmente, de uma trilha sonora de alguma novela que não vou perder meu tempo pesquisando) temos um cantor de ópera em uma canção menos conceitual, algo realmente mais Pop, para quem gosta ou não gosta do reservado estilo musical. Sua voz de tenor encaixou-se perfeitamente na proposta.

Fora disto, não se ouve nada do Safina por aí, tirando fãs ou o pessoal da Itália. De uma certa maneira, Alessandro se encaixa como um One Hit Wonder. Também tem alguma coisa do Bocelli - que é mais popular - para quem quer explorar mais. Mas no fundo, a carreira internacional de Safina resume-se basicamente a esta pérola, brilhante como la luna...

AMR - Coincidências 10

Muito antes de nossos ouvidos reclamarem de coisas como One Direction e Justin Bieber, havia projetos de cunho semelhante em outras décadas. De uma certa maneira, podemos considerar os Beatles como avós de coisas como Backstreet Boys. sei que a comparação vai fazer muita gente querer bater a cabeça na parede, mas basicamente estes projetos atendiam a certos objetivos em comum. Fazer meninas gritarem histericamente enquanto compravam o máximo possível de produtos relacionados. Neste ínterim, eles eram capazes de produzir tanto coisas aberratórias e/ou aberratórias como "Ob-La-Di, Ob-La-Da" (Beatles) ou um repertório majoritariamente irrelevante (Backstreet Boys). Bem, falando nos Backstreet Boys, eles dispensam apresentações...

Os anos 90 foram profundos no que diz respeito ao que chamamos de Boy Band. Profundo dentro deste universo, claro. Muitas coisas vieram das outras décadas (anos 70 com Jackson Five, anos 80 com, sei lá, New Edition). Anos 90 foram inundados: Backstreet Boys, *Nsync, Westlife, Five. Os dois primeiros citados foram os de maiores destaques e o primeiro foi o primeiro a explodir. Singles como "As Long as You Love Me", "Quit Playing Games (with My Heart)" e "I Want It That Way" encheram os quartos de adolescentes de posters e o sacos dos pais e de quem tivesse por perto.

Os cinco primeiros álbuns tiveram vendagem excelente, mas o período após o hiato de 2002-2005 acabou defasando o grupo e eles não recuperaram a imensa popularidade. O single "Incomplete", de 2005, foi o melhor resultado até o momento. Até mesmo a saída de um dos membros do grupo ocorreu, mas como este tipo de empreitada solo não dá certo para todos (margem mínima, diga-se de passagem) e Kevin Richardson voltou ao grupo.

Em 2001, mesmo ano de lançamento do álbum Black and Blue, o grupo lançou uma coletânea chamada The Hits: Chapter One. E neste álbum, eles incluíram o single "Drowning", que havia sido gravado para o álbum de inéditas, mas que foi deixado de lado por falta de espaço. O single teve um desempenho um tanto frio na casa do tio Sam (#28US) e bem aceito na casa da rainha (#4UK).

E falando em bandas etéreas, em 1978 nascia o Duran Duran na onda do New Wave. Eles foram responsáveis por canções interessantes, como "Save a Prayer", "The Reflex" e "The Wild Boys". Porém, de meados dos anos 80 em diante, a banda esfriou, tendo "A View to a Kill" o último sucesso deles naquela década (lançado em 1985!). O álbum Duran Duran (The Wedding Album) foi uma espécie de volta, para avisar que ainda existiam, que respiravam e ainda tocava. O single de destaque desta empreitada foi "Ordinary World", lançado em 1993 e alcançou #3US e #6UK.

Ordinária Coincidência!

A estrutura central das duas canções seguem um ritmo e até ambientação muito parecidas até certo momento. Claro que o Duran Duran segue o tipo desolação do mundo e o Backstreet Boys segue a desolação do amor. Seja lá o que isso tudo possa significar. O fato é que as primeiras partes dos refrões são muito parecidas.

Se isso não foi o bastante para vocês, existe algo mais incisivo a respeito...

O cantor Mauro Scocco, cantor sueco com mais de 20 anos de carreira, lançou em 1997 um disco de melhores hits. Como estratégia comum, foi incluída uma faixa bônus, a última do disco. Ela foi intitulada "Långsamt Farväl" (algo como "Lento Adeus").

Neste caso, até o instrumento usado foi o mesmo. Praticamente a mesma linha de piano. A semelhança é absurda, passando muito, aliás, a linha da mera semelhança.

Ou seja, o single de um grupo americano que pode ter sido influenciado por artistas ingleses e um sueco. Isso sim é que chamo de globalização (e talvez, quem sabe, coincidência)!

AMR - 90's Jukebox 11

Artista: C+C Music Factory
Origem: Estados Unidos da América
Hits: "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)", "Here We Go (Let's Rock & Roll)", "Things That Make You Go Hmmm..."
Hit da Jukebox: "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)" (1990, #1US - #3UK)

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Os anos 90 foram marcados por muitos hits específicos. Alguns acordes, toques, batidas são o suficientes para te fazer atravessar um túnel do tempo em direção aos tempos do Cruzado/Real, Backstreet Boys, e outras coisas bizarras (de É o Tchan! pra baixo). Tirando este lapso bizarro, foi uma década interessante para a música em certos aspectos. No Brasil, bandas como Skank eram criadas, na Inglaterra, os pretensiosos e arrogantes irmãos Gallagher iniciavam o Oasis na Inglaterra, o Pearl Jam ajudava a popularizar o Grunge nos Estados Unidos. Enfim, coisas boas e ruins aconteciam paralelamente.

Deste período, existem riffs que me são totalmente característicos. A guitarra em "Black or White" de Michael Jackson, o piano de "(Everything I Do) I Do It for You" e o violão de "Have You Ever Really Loved a Woman?" de Bryan Adams, a melodia vocal da Corona em "The Rhythm of The Night". E um que com certeza está na cabeça do pessoa saído desta década é "Gonna Make You Sweat", do C+C Music Factory, mais conhecida como "Everybody Dance Now".

O grupo foi formado em 1989 por David Cole e Robert Clivillés. Após a morte de Cole em 1995, aos 32 anos de meningite, Clivillés encerrou o C + C em 1996, para retornar em 2010, colocando no lugar Eric Kupper. Cole e Clivillés também se firmaram como produtores, sendo responsáveis, dentre outras coisas, por "Make It Happen", da Mariah Carey.

Memorável single de sua época, este projeto foi um grande boom dos anos 90 na música dançante, alçando o grupo a uma posição muito alto - que, aliás, eles não conseguiram se manter por muito tempo. A canção alcançou primeiro lugar nos Estados Unidos apenas no ano seguinte ao seu lançamento, peregrinando entre hits românticos como "I Don't Wanna Cry" da Mariah Carey, "Rush Rush" da Paula Abdul, "When a Man Loves a Woman" do Michael Bolton e a já citada "(Everything I Do) I Do It for You".

Dificilmente alguém vá se recordar de outra canção feita pelo grupo. Alguns talvez ainda se recordem de "Things That Make You Go Hmmm..." e eu me recordo especialmente da bela "Take a Toke", uma balada romântica bem anos 90 e bem elaborada - uma das melohres do gênero na época, junto a "Wishing on a Star" das Cover Girls.

AMR - The Celestials (Smashing Pumpkins)

Análise: Primeiro single do álbum Oceania, do Smashing Pumpkins. Lançado em Junho de 2012.

Ou "Smashed Career"...

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Os anos 90 e as pérolas que carregou durante a extensão de uma década. Tivemos muitas coias surgidas desta década, mas poucas sobreviveram. E quando digo que poucas sobreviveram, não é a penas o caso de bandas acabaram, mas sim da recusa de se entregar ao fim, numa contumácia ora constrangedora, ora irritante. Não podemos culpar ninguém em tentar ganhar a vida e reviver os louros de uma época não muito distante, mas talvez exigir dos tais que não sejam apenas uma marionete do seu passado.

Dito isso, descubro que a volta do Smashking Pumpkins (a banda havia se separado em 2000, e o líder Billy Corgan com o baterista Jimmy Chamberlin em 2001, para depois se revelar um fracasso e se dissolver dois anos depois) em 2005 não foi apenas para fazer turnês e shows apenas para não morrer de fome. Pelo contrário, a banda tem se mostrado relativamente produtiva (em quantitativo, não necessariamente qualitativo), com três álbuns lançados desde então - um deles está sendo lançado em volumes através dos anos, pretensão que não é vista desde os tempos do Rock Progressivo e nunca soou tão inadequada.

Bem, no geral, não é uma canção ruim. Temos os esganiço um tanto estridente que é capaz de reproduzir a voz do Billy Corgan, mas ainda sim é uma canção bem proveitosa. Não deixei de pensar que, com a devida adaptação, este poderia fazer parte da sumida banda 50 Seconds to Mars (do ator Jared Leto). Ou, ao menos, manter a base da canção e apenas substituir Corgan por Leto. Aliás, substituir Corgan por qualquer outro cantor...

Bem, no geral, talvez não signifique qualquer salvação ou melhoria na música em geral. As antigas bandas por aí não têm representado isso. Uma música regular uma vez ou outra, para lembrar que eles existem. Mas é preciso mais que isso para justificar as insistentes atividades...

Quick - Capas Exóticas 22

Enquanto vemos pela internet vários vídeos em que as pessoas usam gatos e cachorros para fazer graça e ganhar visualizações no Youtube. Quem nunca viu gatos tocando piano, cachorros pulando feito cangurus e qualquer bizarrice do tipo? Porém, cheguei a conclusão de que a ideia já não é assim tão recente. E quem resolveu aloprar animais inocentes desta vez foi a desconhecida banda Nelson.

Nome do álbum: Because They Can
Ano de Lançamento: 1995
Estilo: Pop Rock

Eu gostaria muito de entender o conceito utilizado aqui. O motivo de se colocar perucas loiras em cães. Porém, pra quem já viu imagens de cães pedalando triciclos, cães "falando" e outras coisas do tipo, não vai achar nada aqui. Mas se animais tivessem senso para entenderem o quão ridículo eles são tratados em certos momentos, algumas pessoas seriam mordidas com mais frequência... 

AMR - Almost Home (Mariah Carey)

Análise: Single promocional do álbum Oz the Great and Powerful. Lançado em Fevereiro de 2013.

A volta de Mariah? (de balão?)

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Ah, a boa e velha Mariah Carey. Quem não sente saudades dos tempos em que ela inundava as rádios com espólio eclético? Tivemos nos anos 90 coisas como "Vision of Love", "I Don't Wanna Cry", "Hero", "Without You" (cover do Bad Finger), "Fantasy" (samples do Tom Tom Club, "Genius of Love"), "My All". Anos 2000 com "It's Like That", "We Belong Together", "Don't Forget About Us", "Touch My Body". Elas vão das mais melódicas baldas românticas até o Dance, com traços de Hip Hop. De fato, Mariah agradava a gregos e troianos...

Mas o fato é que a falta de atividades da musa ficou bem aparente. O último grande single divulgado foi "Obsessed", ótima canção que dá uma alfinetada no rapper sem noção Eminem (que insiste em dizer que já deu uns malhos com ela). Depois do álbum Memoirs of an Imperfect Angel, tivemos um álbum de natal (Merry Christmas II You) que foi inexpressivo (não houve nada como "All I Want for Christmas Is You", para fazer a alegria do pessoa que gosta da data). Eu ia citar um single, "Triumphant (Get 'Em)", que foi lançado ano passado, mas foi tão nulo em efeito que o lançamento em questão é mais adequado.

E o que temos aqui é algo que acrescenta mais ao já eclético repertório da moça. Este single é bem diferente de outros projetos do qual ela esteve envolvida. Seus vocais ficam até meio irreconhecíveis no começo. O pessoal que estava acostumado e gostava da fase "Hip Hop me envolvendo com caras como Pharrell e Jermaine Dupri" vai estranhar bastante aqui. Já o pessoal mais afeiçoado com a Mariah dos anos 90, vai achar no mínimo interessante esta "volta" - a volta dos que não foram, aliás.

A faixa produzida pela Mariah juntamente com o Stargate é boa, e teria sido melhor alocada em um álbum de originais, com o devido tratamento e divulgação. De repente a roupagem da canção seria até mais livre - deixando de lado aquele verniz de "quero ganhar um Oscar de melhor canção" que costuma permear projetos por aí. Agora é só esperar vontade e inspiração da senhorita Carey. Valerá a pena.

Quick - Capas Exóticas 21

Se você teve uma infância passa nos anos 90, vai se lembrar de desenhos clássicos como Os Cavaleiros do Zodíaco ou Shurato. Nesta época, era moda fazer desenhos onde os protagonistas (e os antagonistas também) usavam armaduras com poderes especiais. Não muito tempo depois, isso fosse transpassado por seres com poderes especiais, dentre outras coisas. Mas é curioso notar que muitos anos atrás, uma famosa cantora já havia utilizado uma armadura deste tipo! Piadas à parte...

Nome do álbum: Take Me Home

Ano de Lançamento: 1979

Estilo: Disco Music

Se fosse nos Cavaleiros do Zodíaco, diria que a Cher é uma guerreira da constelação de Ornitorrinco. Eu gostaria muito de saber qual foi o contexto por trás da foto e quem teve a ideia de tal extravagância. Talvez nem no Monte Olimpo isso fosse visto com bons olhos...

Para quem não conhece: "Take Me Home" vale muito a pena de ouvir. Não gosto muito da Cher, mas ela tem seus acertos. E um deles foi propiciar à Sophie Ellis-Bextor uma versão cover. Seguem:

AMR - Coincidências 8

Leia também: AMR - 70’s Jukebox 4

AMR - 70's Jukebox 8

Para os nascidos nos anos 80, poucas coisas foram tão marcantes, musicalmente falando, quanto o Dance dos anos 90. Peças clássicas como "The Rhythm of the Night", do grupo Corona (aliás, coma brasileira Olga Souza), a famosíssima "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)" do C+C Music Factory com seu riff de guitarra imediatamente assimilável e a cantora italiana Gala com "Come Into My Life", são exemplos de como o estilo foi explorado à exaustão e definiu uma década. Enfim, são vários e vários outros projetos que trabalharam em cima do estilo: o Erasure com sua "I Love to Hate You", Cher com "Strong Enough" e "Believe", Sophie Ellis-Bextor com a ótima "Murder on the Dancefloor". É uma infinidade de opções.

Um dos vários grupos criados sobre o gênero, o La Bouche, foi criado em 1994 pelo produtor Frank Farian (sim, o mesmo responsável pelo setentista Boney M e pelo escandaloso e polêmico Milli Vanilli nos anos 90) e contava com os membros Melanie Thornton e Lane McCray. Estrearam com a moderada "Sweet Dreams", que era um exemplar comum do gênero, mas que ainda sim lembra a faceta da década. O projeto seguinte, "Be My Lover" segue a mesma linha - o que mostra que o La Bouche meio que estava preso na segunda divisão do mundo Dance.

Enquanto ativo, La Bouche lançou três álbuns. Em 2000, a vocalista Melanie resolveu seguir carreira solo e foi substituída por Natacha Wright. Porém, em 2001 foi vítima de um trágico acidente de avião, acidente que também tirou a vida de dois membros de outro grupo, o Passion Fruit. O La Bouche se dissolveu no mesmo ano.

Um dos maiores sucesso do grupo saiu do terceiro álbum, SOS. "You Won't Forget Me" foi lançado em 1997 e conseguiu um #9UK (posição superior ao seus dois primeiros e mais famosos singles, embora tenha decepcionado nos EUA com um #48US).

No distante ano de 1969, a banda de Rock neerlandesas Shocking Blue (da vocalista Mariska Veres) lançou o álbum At Home, com seu maior sucesso, a canção "Venus". Mas, além desta, outra canção também fez relativo sucesso e moldou a personalidade musical da banda. "Never Marry a Railroad Man", inclusive, já foi resenhada aqui.

Yeah, I won't forget it...

Logo no início de cada canção já dá para sacar a parte, digamos, referenciada. A melodia vocal com a qual Mariska abre a canção do Shocking Blue é idêntica à melodia com a qual Melanie abre a canção do La Bouche. Talvez a diferença seja, sei lá, 28 anos ou Rock pra Dance.

Coincidência?

Bem... Há uma distância muito grande tanto de tempo quanto de estilo entre os dois projetos. Mas há também uma grande similaridade entre as melodias vocais. De resto ambas seguem um caminho diferente e sem semelhanças. Acredito que possa caber, mais uma vez, o caso de plágio não-intencional. De qualquer maneira, fica novamente aquela dúvida pelo fato de Frank Farian ter seu dedo aqui. Milli Vanilli realmente é algo que ficou marcado no nome deste produtor.

Especial - 20 anos sem Freddie Mercury

24 de Novembro de 1991. Esta data marca a retirada de mais um tijolo do muro da sólida música internacional. Após vários terem sido retirados, como Elvis Presley e John Lennon, temos a sensação de que a força musical que teve seu ápice durante tantos anos, está enfraquecendo cada vez mais. E a perda de Freddie Mercury é mais uma destas sensações amargas que sentimos mesmo após anos passados. A falta que Mercury faz para o Rock é a mesma que Michael Jackson faz para o Pop. São peças insubstituíveis no mundo da música que enfraquecem o colosso erguido nas épocas douradas da música e que ainda sobrevivem, ainda que superficialmente, através de artistas como Stevie Wonder, Bruce Springsteen e vários outros.

Nascido em Zanzibar, África Oriental, o jovem Farrokh Bulsara (nascido em 5 de Setembro de 1946) tinha um sonho reprimido em seu mundo secreto. Junto com várias aspirações e segredos que estavam guardados dentro de si, o sonho de ser uma estrela, de ser amado e idolatrado escondia-se atrás de uma figura chamada Freddie Mercury. Com o tempo, a criatura tomaria conta deo criador irremediavelmente.

Farrokh sempre foi alimentado com cultura ocidental, o que foi definitivo para moldar sua figura e seu coração musical. Lia as tragédias de Shakespeare e ouvi com entusiamo o Rock de Elvis Presley e Little Richard e admirava o Blues norte-americano, sendo inspirado por cantoras como Billie Holiday, Dinah Washington e Sarah Vaughan. Quando Farrokh foi enviado para estudar longe dos pais, recebeu o apelido de Frederick, que depois foi abreviado para Freddie. Neste período, ele estudou, além das disciplinas tradicionais, música e interpretação, com grande ênfase em ambos. Com 12 anos de idade, participou de sua primeira banda, o The Hectics, com influências de Cliff Richard e Little Richard.

Acredito que esta foto seja a do The Hectics (com Freddie no meio)

A família Bulsara acabou por deixar Zanzibar em 1964 por motivos políticos e foram para Londres. A confortável vida que tinham devido ao trabalho de Bomi Bulsara, pai de Freddie, para o governo britânico proporcionava uma vida mais luxuosa, com babas e motoristas. Mas em Londres a realidade foi outra. Bomi e Jer, mãe de Freddie, tiveram grandes dificuldades de adaptação, mas para Freddie aquilo tudo soava espetacular. Era a vida que queria e que em Zanzibar não teria nunca. E depois de se formar em Arte e Design Gráfico, ele se sentiu livre para tentar investir e viver de sua arte.

Participou de uma banda chamada Ibex (que, mais adiante, mudou seu nome para Wreckage), enquanto a banda Smile (que tinha como membros Brian May, Roger Taylor e Tim Staffell) fazia moderado sucesso. No Wreckage, Bulsara mostrava seus instintos no palco que impressionavam a todos. Foi neste período que, durante uma nervosa apresentação, Bulsara arrancou a haste do microfone do pedestal sem querer, e ele acabou por improvisar em cima disto. Este erro acabou consolidando um dos atos mais famosos dele no palco. Outra banda que participou, o Sour Milk Sea, serviu também como mais um degrau em sua jornada pelo sucesso. Como ele precisava de um grupo que tivesse a mesma pretensão que ele (e não viu isso nestes grupos), acabou os deixando de lado para procurar algo mais condescende com seus ideais.

Não muito tempo depois, Staffell deixa o Smile e Freddie acaba sendo membro da banda, que mudou seu nome para Queen, por sugestão do próprio. Após passarem três baixistas, um deles inclusive tentando tomar o lugar de Freddie no cargo de performer, John Deacon acabou assumindo a vaga e consolidando um dos maiores grupos da história do Rock.

O Sour Milk Sea, com Freddie do lado esquerdo da foto, em 1970

Desde então, o grupo começou a trabalhar suas canções e sua presença de palco. Durante a composição da canção "My Fairy King", do primeiro álbum, Freddie terminou de definir sua persona pública, se auto-intitulando Freddie Mercury (a canção contém a linha "Mother Mercury/Look what you're done to me/I cannot run I cannot hide"). Estava moldado ali um novo homem. Farrokh Bulsara dava lugar agora ao icônico Freddie Mercury.

Um dos grandes atos do Queen foi abrir shows para a banda Mott the Hoople em 1974, e acabaram roubando a cena, sendo mais populares que a atração principal. Conforme a banda ia se desenvolvendo e adquirindo seu espaço, eram proporcionalmente explorados pelo empresário Norman Sheffield, que lhes pagavam honorários medíocres mesmo com o progresso incrível da banda. Através do advogado Jim Beach, o Queen conseguiu um acordo para se livrar de Sheffield e assim continuar. Foi então no álbum A Night at The Opera (álbum da clássica "Bohemian Rhapsody") que Freddie escreveu uma "homenagem" para o ex-empresário, "Death on Two Legs (Dedicated to...)", onde o Queen libera toda sua ira e cólera contra o explorador Norman.

O Queen nasce e conquista pouco a pouco seu território

Os anos 70 mostraram-se muito produtivos para a banda, diversos clássicos do Rock foram forjados pela banda e dominaram os ouvidos do mundo. "Killer Queen" e "Now I'm Here" do álbum Sheer Heart Attack. As duas foram os cartões de entrada da banda para o mainstream.

As quatros grandes canções do A Night at The Opera escritas por cada membro da banda ("Bohemian Rhapsody" por Freddie, "I'm in Love With My Car" por Roger, "'39" por Brian e "You're My Best Friend" por John - que teve que aprender a tocar seu piano elétrico, já que Freddie se recusou a tocá-lo por considerar o instrumento horroroso).

"Bohemian Rhapsody", o Magnum Opus da banda fez um sucesso incrível, apesar de inicialmente ter sido esnobada pela crítica. Cada membro da banda cantou as canções citadas, com exceção de John Deacon, que não considerava sua voz boa o bastante para competir com seus companheiros.

A solitária canção de Freddie, "Somebody to Love" do álbum A Day at The Races mostra um lado forte de Mercury, o lado em que procura alguém para amar e ser amado enquanto vive as batalhas da vida. Durante toda a vida, Freddie procurou este alguém e escreveu sobre (um exemplo que trata desta solidão é "Living On My Own" (que teve o vídeo-clipe gravado durante uma festa de comemoração de seus 39 anos em Montreal) do seu primeiro álbum solo, Mr Bad Guy.

Os imortais hinos "We Will Rock You" e "We Are The Champions", de Brian e Freddie, respectivamente. Freddie escreveu "Champions" pensando em um hino de vitória, especificamente no futebol. E a pretensão de Freddie foi além, sendo esta uma das canções mais lembradas e cultuadas da banda. E no último álbum dos anos 70, Jazz, saíram as pérolas "Fat Bottomed Girls", "Bicycle Race" (com seu vídeo-clipe que mostra mulheres nuas andando de bicicleta) e "Don't Stop Me Now", animada e frenética canção de Freddie do qual Brian May admitiu não gostar muito (sua participação na canção foi apenas um solo de guitarra).

Uma nova era para o Queen

Os anos 80 foram uma época de tremendas reviravoltas. A começar pelo visual de Freddie, que adotou um imagem mais masculina, com cabelos curtos, bigode e roupas de couro. Com dois projetos no começo da década, a trilha-sonora do filme Flash Gordon e o álbum The Game. Com este álbum, tivemos clássicos como "Play The Game", mas uma canção sobre encontros e desencontros amorosos, a meio Rockabilly "Crazy Little Thing Called Love" (composta por Freddie enquanto estava numa banheira!), a linda "Save Me" e a possivelmente mais famosa canção da banda, "Another One Bites the Dust", de John Deacon. Foi esta canção e a mudança geral no cenário musical que fizeram Freddie e John insistir num som mais voltado para o Funk. Brian e Roger não acreditaram muito no futuro com isso, mas resolveram tentar. Foi nesta tentativa que Hot Spaces foi concebido. O álbum foi meio que um choque musical, pois não tinha exatamente o que o público estava acostumado. Canções como "Back Chat" e "Cool Cat" são memoráveis, mas o que salvou o álbum foi a colaboração com David Bowie na faixa "Under Pressure", que nasceu de uma jam entre o cantor e a banda - David também participou da faixa "Cool Cat", mas pediu para ser retirado do projeto, por não ter achado satisfatório.

Renovação e as velhas raízes

No álbum The Works, de 1984, o Queen voltou com seu velho Rock e ainda mantendo o recém experimentado Funk em seu som. Um grande exemplo disso é "Radio Gaga" de Roger Taylor. "It's a Hard Life" é uma bela canção de Mercury ao piano e "I Want to Break Free" de Deacon se tornou um dos maiores sucessos da banda. Freddie, que nesta época estava amorosamente envolvido com Barbara Valentin, ainda estava em sua busca do grande amor, e parecia não ter encontrado isto em Barbara. Apesar de sua carreira estar no topo, o amor ainda não tinha o encontrado. No ano seguinte, sai o álbum Mr Bad Guy, com o trabalho solo de Freddie. Não foi um grande sucesso, mas mostrou o que Freddie queria expressar fora da bolha musical do Queen. "I Was Born to Love You", "Made in Heaven" e "Living on My Own" são bons exemplos da capacidade musical de Freddie como artista solo - e também demostram a carência afetiva do astro.

Dois grandes momentos para a banda foram sua participação no Live Aid e as duas noites no Rock in Rio. No Rock in Rio, o Queen foi considerado a maior atração do festival que contava com a participação de Iron Maiden, Whitesnake, AC/DC, Scorpions, Rod Stewart e Yes. Foi declarado por eles que a versão tocada no festival de "Love of My Life", com o acompanhamento da platéia, foi a mais bela já feita por eles.

No Live Aid, mostra a banda simplesmente dominando o espetáculo e se destacando com a melhor apresentação, frente a artistas como Elton John, Dire Straits, U2, David Bowie e The Who, com audiência de quase 2 bilhões de pessoas na TV. Foi um momento glorioso para a banda - que havia sido muito criticada por, recentemente, ter quebrado um boicote cultural à África do Sul. Elton John, grande amigo íntimo de Freddie, acusou o Queen de ter roubado a cena. Mas ainda tinha mais por vir...

A grande revelação - cinco anos

O lançamento de A Kind of Magic marcou outro grande momento para a banda. Canções de peso como "One Vision" e "A Kind of Magic" e as belas "Who Wants to Live Forever" e "Friends Will Be Friends" mostraram que o Queen ainda tinha muita lenha para queimar, muito a produzir. A turnê do álbum foi a mais grandiosa já feita pela banda (e até então, por qualquer banda). No ano seguinte, Freddie daria mais vazão a sua carreira solo, com o lançamento do single "The Great Pretender" (regravação do clássico do The Platters). Freddie se identificava com o rótulo de fingir o que não é assim como o personagem da canção. O ano foi marcado também pelo início do projeto com a cantora de Ópera Montserrat Caballé, o álbum Barcelona. Nesta época, Freddie acabou raspando seu bigode, uma de suas marcas registradas.

Foi neste ano de 1987 que Freddie acabou sendo diagnosticado com o vírus da AIDS. Um momento pesado para um gigante. Com todo o apoio de Jim Hutton, Freddie foi em frente e concluiu com êxito Barcelona. Depois disso, era a vez de mais um trabalho com o Queen. O álbum The Miracle foi feito com força, trazendo assuntos como a mídia que não largava o osso com a relação à banda, como "Scandal". Canções como "The Miracle", "Breakthru" e "The Invisible Man" mostravam que a banda ainda conseguia manter bem unidos e em grande qualidade o Rock e Funk. Freddie começava a sentir os males de sua doença e a banda já não saia mais para turnês, preferindo fazer vídeo-clipes em seu lugar. Após o trabalho com Caballé e o álbum do Queen, tudo o que Freddie queria era mergulhar mais ainda no trabalho, o trabalho que salvou sua vida do vazio. Então vieram os preparativos para os últimos momentos...

O show tem que continuar...

Innuendo. Este foi o último álbum lançado pela banda com Freddie ainda vivo. A força deste álbum é impressionate. Freddie canta com poder total, como se estivesse 100% saudável. Durante as gravações da canção "The Show Must Go On" (na minha opinião a mais poderosa atuação vocal de Freddie), Brian duvidou que Freddie conseguisse gravar os vocais. Freddie foi em frente, tomou uma generosa dose de vodka e disse: 'I'll fuckin do it, darling!'. O resultado foi impressionante. A canção foi gravada em apenas um take.

"I'm Going Slightly Mad" tratava de maneira sombria a doença de Freddie e seu estado mental. O vídeo-clipe filmado em preto e branco e com muita maquiagem, tentava esconder a fragilidade da qual Mercury se encontrava. "Headlong" era, originalmente, parte do álbum solo de Brian, chamado Back to the Light. Mas ao ouvir Freddie cantar, acabou por colocá-la no álbum do Queen. "Innuendo" foi o último single a alcançar um #1UK e pode ser considerado uma "Bohemian Rhapsody" 2 em termos de complexidade e estrutura. É a canção mais longa já lançada como single pela banda.

Digamos que "These Are the Days of Our Lives" foi uma espécie de despedida dos fãs e do mundo. No vídeo-clipe (também filmado em preto e branco), Freddie aparece bem magro e debilitado. Mas mesmo assim continua com sua teatralidade. Com Roger e John ao seu lado (May estava em uma viagem a gravou sua parte posteriormente), Freddie cantava e, ao final do vídeo, se despedia com um 'eu ainda amo vocês'.

Após o álbum, Freddie tentou gravar o máximo de vocais possíveis para que o restante da banda terminassem as canções. Os resultados saíram no álbum Made in Heaven. Foram feitas duas regravações da carreira solo de Freddie ("I Was Born to Love You" e "Made in Heaven"). Mas com certeza a canção mais marcante é "Mother Love", a última canção que Freddie gravou. A canção fala sobre o amor materno e tem linhas como 'mamãe, por favor, deixe-me voltar para dentro', referindo-se ao útero - lugar onde ele estaria protegido do mundo. As últimas linhas da canção foram gravadas por Brian porque Freddie já estava muito doente, sofrendo de bronco-pneumonia que acabou o matando.

24 de Novembro de 1991. O homem, a lenda foi descansar em paz, uma paz que ele nunca encontrou em qualquer canto do planeta Terra. Jim Hutton falaceu em 2010 e Mary continua morando na casa que Freddie lhe deixou de herança. Em 1992, os membros do Queen se juntaram a outros artistas e fizeram um show de homenagem. Gente como David Bowie, George Michael, Elton John e Robert Plant homenagearam a grande estrela.

Uma das maiores do seu tempo e de todos. Que descanse em paz...